Школа сюрреалистической скульптуры — расшифровка самых известных работ

Многие любители искусства хотя бы раз пытались познакомиться с сюрреализмом поближе, но частый спутник «сюрра» — разочарование, связанное с непониманием смысла этого направления. Считается, что просто смотреть на сюрреалистический объект недостаточно. Не умея разгадывать сюжет, вы никогда не поймете красоту и гениальность этих произведений. 

Предлагаем познакомиться с самыми яркими работами сюрреалистов, после чего вы никогда не пройдете мимо бунтарской выставки одновременно странных и гениальных художников.

1920. Ман Рэй, «Загадка Исидора Дюкасса»

Эта работа, относящаяся к раннему «ред-мейду», находится в Национальной галерее Австралии. Скульптура представляет собой швейную машинку, завернутую в армейское одеяло и перевязанную веревкой. Скульптура была сделана для фотографирования, а затем демонтирована. 

Фото: источник

Работа посвящена французскому поэту Исидору Дюкассу, написавшему книгу Les Chants de Maldoror, ставшую гимном сюрреалистов из-за ее яркой строки: «Прекрасна, как случайная встреча швейной машинки и зонтика на анатомическом столе». Случайные эффекты играли важную роль для дадаистских художников, в том числе Марселя Дюшана, оказавшего большое влияние на работу Ман Рэя. 

Загадка этой скульптуры в том, что швейная машинка всегда была скрыта под одеялом, так как Ман Рэй хотел поставить загадку перед зрителем. На разгадку указывало название работы. 

1921. Марсель Дюшан, «Почему бы не чихнуть, Роуз Селави?» 

Эта работа находится в Филадельфийском музее искусств. 

Французско-американский художник М. Дюшан был протосюрреалистом (avant-la-lettre) и делал «реди-мэйды» начиная с 1915 года. Он ставил под сомнение само понятие искусства, представляя казалось бы понятные предметы в безразличной манере, оппозиционной к тому, что он называл «искусством сетчатки», или искусством, предназначенным только для того, чтобы визуально угодить зрителю». В его планах было вернуть искусство на службу разуму. 

Фото: источник

Конкретно эту скульптуру Дюшан назвал «вспомогательной», так как в основе произведения лежал готовый, ранее существовавший и кем-то созданный объект. Художник лишь изменил, а точнее наполнил его. 

Клетка для птиц, заполнена разными предметами — мраморными «сахарными» кубиками, ртутным термометром, крошечной фарфоровой посудой и др. Сочетание этих объектов двусмысленно и странно. Если к нему присмотреться, то создается сюрреалистическое ощущение трансформации и метаморфозы кубиков — сахара и камня одновременно. 

Но смысл скрыт еще глубже. Название работы находится внизу и выделено черной клейкой лентой. Чтобы прочитать его, зритель приподнимает клетку, и вот тут его удивляет несоответствие работы ее весу — она очень тяжелая. Сахар же при рассмотрении оказывается несъедобным. Произведение основано на ключевых сюрреалистических представлениях о внешнем виде и реальности. Кажется, что кубики сахара легкие и сладкие, а на самом деле тяжелые и плотные.

Еще больше дразнит название. Автор предлагает чихнуть, но человек не может делать это специально. Непосвященным непонятно также, кто такая Роуз Селави. Это имя — женское alter ego Дюшана — каламбур на фразу «Эрос — это жизнь». Автор взял себе его, представив себя как «бесстыжую вдову-интеллектуалку», таким образом намекая на двойственность своей натуры.

Андре Бретон как основоположник этого направления высоко оценил скульптуру, сказав, что она стоит почти всех трюков искусства вместе взятых. Он активно представлял ее на выставках как образец идеальной демонстрации игры ума и сенсорного несоответствия, стопроцентно и ярко характеризовавших идею сюрреалистической скульптуры.

1924. Жан Арп, «Рубашка и вилка»

Работа находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне. 

Эта скульптура Жана Арпа сделана из нетрадиционного для этого вида искусства материала — в ее основе деревянный рельеф, покрытый краской. Работа входит в серию, датированную двадцатыми годами прошлого века. Скульптура относится к близким жанрам дадаизма и сюрреализма, знаменуя переход от первого ко второму. 

Фото: источник

Арпа часто называют самым абстрактным сюрреалистом. И эта работа — яркий пример справедливости высказывания. Она действительно сверхнеоднозначна. Каждый зритель видит свое: рубашку, вилку, человеческое лицо, а кто-то считает, что это зуб с вилкой. Края скульптуры неровные, они специально размывают узнаваемое. Черная, серая и белая палитра придает произведению графическое ощущение — мы видим предметы и тень. 

Странная скульптура словно насмехается над разумом, указывая на концепцию в потоке бессознательности и тут же не давая полностью ее принять, подбрасывая все новые и более нелепые идеи. Сам Арп говорил, что пытался заставить формы расти, доверяя примеру семян, звезд, облаков, растений, животных, людей и, наконец, своему внутреннему существу. 

Ж. Арп сыграл ключевую роль в абстракции тела и природы, участвуя в становлении сюрреализма. Его органическая абстракция включала доведение абстрактных, дадаистических органических форм до биоморфных сюрреалистических образов и сокрытие их возможного значения с помощью названий. Трансформация, рост, плодовитость и метаморфозы — общие темы его творчества.

1934. Генри Мур, «Композиция из четырех частей: Лежащая фигура» 

Работа находится в коллекции Тейт в Великобритании.

Эта скульптура стала следствием попыток британского скульптора Генри Мура изучить примитивное искусство, когда в 1927 г. он посетил парижскую студию Пикассо с А. Бретоном и А. Джакометти. Искусствоведы тут же увидели в композиции влияние авангардных художников. Камнеподобные формы, ограниченные диаграммными линиями, — стандартная техника работ Мура, выполненных в 1930-х годах, — отражает его интерес к древней резьбе по камню и намекает на кубизм работ Пикассо.

Фото: источник

Каждая фигура в композиции биоморфна и абстрактна. Рассматривая части по отдельности, зритель вряд ли поймет замысел автора. Но вместе они собираются в узнаваемое, но абстрагированное женское тело. Искусствоведы часто сравнивают эту работу с произведением Джакометти «Женщина с перерезанным горлом», представленную двумя годами ранее.

Хотя визуально скульптуры совсем не похожи, их объединяет одна идея: фигура фрагментирована на отдельные части, лежащие поперек плоскости. Это иллюстрирует огромное влияние сюрреализма на Мура и интеграцию «сюра» в его работу. 

После этой работы много лет подряд в скульптурных произведениях Мура главенствующее положение занимала тема материнства. Скульптор работал в традициях фигуративной пластики, обогатив ее новыми художественными методами открытого формообразования, где цель — показать взаимодействие массы и внутреннего и внешнего пространства.

Сегодня Г. Мур наиболее известен полуабстрактными монументальными бронзовыми скульптурами, абстрагированными от человеческой фигуры и расположенными в различных позах. Эти работы вызывают в воображении пейзажи, где эротичные изгибы тела напоминают холмы и долины. Мур и сам заявлял, что для него «колени и грудь — это горы». По словам критиков, цельность его скульптурных произведений, где формы буквально перетекают друг в друга, не имеет аналогов.

1934. Ханс Беллмер, «Кукла» 

Скульптура находится в Музее королевы Софии в Испании.

Немецкий художник Ханс Беллмер создавал скульптуры-куклы в натуральную величину. Одержимость куклами была порождена рядом событий в его детстве и юности: неудовлетворенностью и безответной любовью, просмотром оперы Оффенбаха «Сказки Гофмана», где герой был влюблен в бездушную куклу, прочтением книги О. Кокошки «Фетиш», а позднее — трудами психиатров П. Шильдера и Ж. Лермитта, описывающих образы человеческого тела.

Фото: источник

Творчество Беллмера отталкивает многих извращенностью, но сюрреализм изначально подразумевал противостояние бессознательных желаний и инстинктов общественному табу. Беллмер пошел дальше других, показав связь эротики и разрушения максимально откровенно.

Скульптуру «Кукла» он создал в середине 1930-х г. для книги Die Puppe. Это была откровенно сексуализированная кукла из дерева, клея, гипса, соломы и неопрятного парика, представляющая собой личную одержимость автора. Как он сам говорил о своей работе: «Это реальный объект, им нужно обладать». Кукла вызвала огромный интерес, поэтому мастер и позже воспроизводил ее в разных позах. Многие считают, что эротизированный образ деформированной куклы противостоял культу арийской эстетики идеального тела, процветавшему в Германии 30-х годов.

Скульптура смотрит на зрителя застенчиво и тревожно. Тело неполноценно: с намеком на грудь и частью живота с полностью обнаженными ягодицами. Сюрреалистический манифест призывал к созданию анаграмм, где слова делятся на части и меняются местами. Для Беллмера версией анаграммы стало тело куклы. 

А. Бретон приветствовал работу Х. Беллмера как «первый и единственный оригинальный сюрреалистический объект с универсальной, провокационной силой», фактически сделав ее сюрреалистической иконой. Но спорные работы Беллмера часто подвергались критике и негодованию со стороны зрителей. Даже для сюрреализма очевидного вуайеризма и расчленения кукольных тел было слишком много, поэтому в адрес скульптора сыпались обвинения в садизме и педофилии. 

На некоторых фотографиях Баллмер запечатлял себя с куклой в двойной экспозиции, показывая силовую игру и жестокость. Эти образы сексуального желания и доминирования шокируют зрителей и сегодня.

1936. Сальвадор Дали, «Венера Милосская с ящиками»

Скульптура хранится в частной коллекции.

Испанский скульптор и художник Сальвадор Дали — пожалуй, самый известный представитель сюрреализма и одна из самых известных фигур в истории искусства. Экстравагантная личность, культовые усы и ошеломляющие творческие результаты, охватившие живопись, скульптуру, сценографию и кино, — все это останется в памяти ценителей его искусства навсегда.

Фото: источник

Дали создал очень личные картины со сказочными образами, идеально подходящими для фрейдистского анализа. Его уникальный бренд сюрреализма, сочетающий академический стиль с авангардной тематикой, населяли сомнительные увлечения наряду с фобией кузнечиков. Лидер сюрреалистов. А. Бретон сказал по этому поводу, что «возможно, именно с Дали впервые окна разума открываются полностью». 

В искусстве, как и в жизни, Дали порвал с условностями и выковал новые художественные языки и методы, способные исследовать человеческую психологию. Интересный пример — «наглая» интерпретация знаменитой мраморной статуи Венеры из парижского Лувра. Сложно себе представить, что кто-то кроме Дали мог себе позволить такое.

Сама Венера — точная копия оригинала. Но версия Дали дополнена ящиками, вставленными в различные точки тела: лоб, грудь, живот и левое колено. Гипс находится в поразительном сопоставлении с шелковистыми розовыми помпончиками, иллюстрируя сюрреалистическую концепцию объединения разрозненных вещей для формирования новой реальности. 

Дали писал о том, что делает объект таким «абсолютно бесполезным… и созданным целиком для того, чтобы материализоваться фетишистским образом, с максимально осязаемой реальностью, идеями и фантазиями бредового характера». Но присутствует ли бред в этом произведении, где женская фигура, по словам самого Дали, превращается в «антропоморфный кабинет»?

Искусствоведы считают, что именно в этой скульптуре не все так просто. Здесь можно ничего не додумывать — ящики символизируют психологические тайны женского желания, свойственные богине любви. Дали объяснил свою работу так: «Единственное различие между бессмертной Грецией и современностью — это З. Фрейд, обнаруживший, что человеческое тело, чисто платоническое в греческую эпоху, в настоящее время полно тайных ящиков и их способен открыть только психоанализ».

1936. Мерет Оппенгейм, «Объект» («Меховой чайный прибор») 

Работа представлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Немецко-швейцарская художница Мерет Оппенгейм приобрела мировую славу именно на поприще сюрреализма. Яркая и талантливая, она попала в круг «сюрр» в 18 лет, став музой для мужского круга авангардных художников. Женщина обладала особым характером, позволившим ей выделиться в толпе «сумасшедших лунатиков и сукиных детей…». Так назвала своих сподвижников художница-сюрреалистка Ф. Кало.

Фото: источник

«Меховой чайный прибор» — одна из самых ярких работ Оппенгейм. Представленная в парижской галерее Ш. Раттона, скульптура пользовалась бешеным успехом, поэтому быстро перекочевала на следующую более крупную выставку. Рассматриваемая многими критиками как сюрреалистический объект, эта чашка представлялась символом слияния домашнего очага и дикого животного. Но история создания скульптуры куда банальнее. 

Пикассо и его подруга Д. Маар восхищались медным браслетом Оппенгейм, украшенным мехом. Разговор перетек в дискуссию о том, что можно сделать из меха. Художница купила чайную пару и покрыла ее шкурой китайской газели. Результат был очень интересным и необычным. Причудливое противопоставление сбивает с толку чувства зрителя – с одной стороны мех мягок и ласков, с другой – отталкивает органическим неприятием волос в напитке.

Сама Оппенгейм говорила, что ее единственным сознательным намерением было играть с контрастными текстурами. Но что же видит зритель? Эта изящная женская чашечка похожа на женщину в дорогой шубе, с одной стороны цивилизованную, с другой — прикрывающую животные инстинкты. 

Эту работу А. Бретон переименовал для своей выставки 1936 года в Surréaliste в Déjeuner en Fourrure, что переводится как «меховой завтрак». Это название возникло из фрейдистской интерпретации меха как сексуального фетиша. Новое название значительно усилило провокационный эффект. Другие интерпретации А. Бретона позиционировали чашку как женские гениталии, а ложку — как фаллос. Сама Оппенгейм утверждала, что ее не волнуют названия, придуманные Бретоном, ее вполне устраивала первоначальная, более приземленная версия.

1938. Сальвадор Дали, «Телефон-омар»

Скульптура хранится в коллекции Тейт в Великобритании.

Телефон с лобстером-ручкой — классический пример сюрреалистической скульптуры, полученной соединением двух объектов, ничем не связанных друг с другом. Отдельные объекты неизменны, но сила «сюра» заключается в неожиданном сочетании, заставляющем зрителя представлять нечто абсурдное. Такие работы создаются не для красоты и удобства — это способ общения миров художника и человека, пожелавшего окунуться в яркие фантазии, а иногда и бредовые галлюцинации гения.

Фото: источник

Стоя перед телефоном, зритель вынужден представить, что будет, если схватить лобстера вместо трубки. Человека с богатой фантазией эмоции буквально обожгут: столкновение современного человеческого устройства и первобытного подводного существа вряд ли покажется приятным. Сюрреализм гасит девиантный блеск Дали: перед нами уже другой гений, где мы видим его страхи и навязчивые идеи. Дали страдал странной фобией — он боялся саранчи и, возможно, создавая эту работу, как раз представлял себе это насекомое на обыденных вещах.

У скульптуры есть и другой смысл. Разгадать его можно, узнав первое название работы. Она изначально называлась «Телефон-афродизиак», что может отражать смесь похоти и страха в сознании художника. Однако и это, возможно, только игры разума зрителя. 

Сам Дали сказал о скульптуре просто: «Я не понимаю, почему, когда я прошу жареного омара в ресторане, мне никогда не подают телефон». В этих словах и заключается его бренд сюрреализма: там, где все ищут скрытый смысл, есть просто шутка.

1942. Пабло Пикассо, «Голова быка»

Скульптура находится в музее Пикассо в Париже.

Испанско-французский график, основоположник кубизма, Пабло Пикассо оказал огромное влияние на развитие искусства, о чем говорят большое количество поклонников и сумасшедшие цены на его работы. При этом одинаково ценится раннее и позднее творчество автора.

Фото: источник

Творчество Пикассо можно разделить на несколько периодов. Но самый сложный и неровный связан именно с сюрреализмом. Начиная с лета 1928 года, после периода глубокого классицизма, когда было создано эпикурейское изящество, Пикассо уходит в атмосферу ирреального мира галлюцинаций, заменив любимого арлекина на минотавра. Голова быка стала общим мотивом в творчестве художника.

Получеловек, полубык древнегреческого мифа был ключевым сюрреалистическим мотивом в соответствии с использованием гибридов животного-человека или животного-растения. Минотавр глубоко проник в психику Пикассо из-за ритуального жертвоприношения испанской корриды, и он создал много работ, исследующих секс, смерть и насилие, включая «Минотавромахию» и «Гернику». 

Работа была создана из металлолома — найденного случайно велосипедного седла и руля. По отдельности эти предметы уродливы, но, объединенные силой воображения, превращаются в гордое мифическое существо — жестокое и опасное. 

Пикассо рассказывал: «Идея Бычьей Головы пришла еще до того, как у меня появилась возможность подумать». Таким образом, эта скульптура абсолютно соответствует идее сюрреализма, когда случайный объект «реди-мейд», то есть уже созданный с какими-то целями, преобразуется автором в произведение искусства.

1943. Александр Колдер, «Созвездие»

Работа выставлена в Фонде Колдера в Нью-Йорке.

Этот американский скульптор очень отличался от сюрреалистов того поколения подачей идей. Его скульптуры содержали визуальную составляющую и были основаны на кинетизме — движении под воздействием силы. Его работы сравнивали с танцем, где главными партнерами были предметы.

Фото: источник

Колдер начал исследовать концепции физической среды после посещения студии нидерландского художника Пита Мондриана, в 1930 г. Мондриан наряду с Кандинским и Малевичем был основоположником абстрактной живописи. Его работы не могли не вдохновить молодого автора.

Серия созвездий Колдера включает кинетические скульптуры, состоящие из аллюзий (намеков) на, казалось бы, случайные предметы — ножи, кости, булавки, звезды, сочлененные через биоморфные формы проволокой и плавающие по хаотической орбите. 

Дюшан обозначил кинетические скульптуры А. Колдера как «мобили», хотя традиционно мобильные системы двигались благодаря кривошипным механизмам и двигателям. Элементы скульптур Колдера перемещались за счет движения воздушных потоков, влажности и человеческого взаимодействия. Скульптор также играл светом. 

Позже он увлекся новой темой — созданием стационарных фигур придуманных животных из окрашенного металла. Ж. Арп назвал монументальные работы Колдера «стабилами».

1944. Исаму Ногути, «Шахматный стол и фигуры»

Скульптура представлена в Музее Ногути в Нью-Йорке.

Исаму Ногути — японско-американский дизайнер и скульптор, известный своими яркими проектами для уличных памятников и статуй. Во всех работах мастера прослеживается приемы китайского и японского искусства. С одной стороны, это сюрреалистические работы, с другой — это практически ценные вещи, их можно легко использовать, наслаждаясь художественным смыслом и внешним оригинальным видом.

Фото: источник

Культовый шахматный стол Ногути объединил идеи биоморфных линий сюрреалиста, свободную геометрию и причудливое взаимодействие визуальных элементов скульптуры. Эта работа притягательная, загадочная, но не шокирующая, что впрочем не делает ее менее интересной, чем остальной «сюр». 

Подставка с плавными, округлыми линиями выполнена из лакированного литого алюминия. Форма контрастирует с прозрачной пластиковой поверхностью и абстрактной сеткой доски. Шахматные фигуры — отдельные красные и зеленые пластиковые скульптуры. 

Работа создавалась для культовой выставки Ж. Леви «Образы шахмат», ее кураторами были М. Дюшан и М. Эрнст. В выставке также участвовали А. Колдер, М. Рэй, Ив Танги и А. Бретон, но американский еженедельник Newsweek выделил именно скульптуру Ногути, назвав ее самой красивой. 

Критики отмечали, что главное преимущество этой работы — грамотное слияние сюрреализма и абстрактного экспрессионизма, несущее идею метафоры любви, войны и метаморфозы, понятную любому зрителю. Как говорил сам автор, художественная цель его работы — делать вещи для удовольствия каждого. Поэтому элегантные работы Ногути, навеянные впечатлениями от путешествий по Европе, Японии и Ближнему Востоку, не зацикливаются на одном направлении. В них можно увидеть элементы сюрреализма, кубизма и минимализма, ставшие ориентирами современного дизайна.

1947. Виктор Браунер, «Волк-стол»

Работу можно увидеть в Национальном музее современного искусства (Центр Помпиду) в Париже. 

Румынско-французский художник Виктор Браунер в своих сюрреалистических работах прибегал к миру магического фольклора, метафизики, философии, антропологии и духовности. Создавая архетипы бессознательного, он воздействовал на зрителей богатым резонансным символическим подтекстом.

Фото: источник

Браунер был истинным мистиком и эзотериком, считавшим, что в человеческой жизни все предопределено. Доказательством этого стал автопортрет, где художник изобразил себя с вырванным глазом. Спустя семь лет после создания портрет воплотился в «сюрреальность», когда во время драки Браунер действительно лишился глаза, именно того, который был указан на портрете, и именно тем же способом. Свидетели драки отмечали, что ссора возникла буквально на пустом месте, и все произошло слишком нелепо и странно, как будто кто-то руководил событиями извне.

То, что произошло, во многом изменило будущее художника, он еще более укрепился в своих мыслях о предопределенности, его мир заполнился мрачными видениями, за что ученые назвали этот период «химерным».

Ликантроп — человек-волк — не первая работа автора с привлечением этого персонажа из легенд народов Америки. До выставки Surrealiste, состоявшейся в 1947 г., Браунер уже создавал работы с подобным подтекстом. Но здесь животное холодное и мертвое, а тело в виде утилитарной мебели далеко от природы. Это воплощение интерпретировалось как предупреждающий знак страха и беспокойства Браунера по поводу войны и оккупации Франции.

Некоторые искусствоведы считают, что эта сюрреалистическая скульптура не была спонтанной, как принято в сюрреализме, так как Браунер создал этот сюжет ранее. Скорее всего, А. Бретон попросил воссоздать его как трехмерную скульптуру специально для выставки.

Считается, что Браунер, работая в направлении «сюр», пытался избавиться от навязчивого страха перед надвигающейся катастрофой. «Волчья скамья» стала самой яркой и одной из последних таких работ. Уже через год после ее создания художник отошел от сюрреализма, увлекшись автобиографическими картинами. 

1947. Макс Эрнст, «Козерог»

Скульптура находится в музее Макса Эрнста в г. Брюль в Германии 

Макс Эрнст — немецко-французский художник-новатор, работавший в направлениях дадаизм и сюрреализм. Его произведения провоцировали и высмеивали социальные условности. Идея, лежащая в основе большей части его работ, — «современный мир иррационален». 

Фото: источник

После участия в Первой мировой войне скульптор, прошедший путь солдата, стал критически относиться к западной культуре, отрицая классические понятия. Он открыто насмехался над искусствоведами, оценивавшими произведения искусства за «вкус» и «мастерство». Его не устраивала прямолинейность и реалистичность, почитаемые столетиями. Душа требовала нечто большего, заставляющего не просто созерцать и наслаждаться, но еще и размышлять.

Со временем Эрнст начал обращаться за вдохновением к первобытному искусству и магии. Мастер заигрался настолько, что начал считать себя творческим шаманом, получающим помощь от оккультных сил. Но, возможно, именно это состояние позволило ему остаться свободным от табу и подарить миру столь яркие работы. Навязчивая идея шаманства воплотилась в альтер-эго Эрнста — верховную птицу Лоплоп, изображенную во многих работах автора. 

«Козерог» — монументальная скульптура царственных божеств, выполненная из цемента и металлолома, валявшегося в саду скульптора. Фигуры — гибриды животного и человека.

По одной из версий, фигура с человеческим торсом и козлиными рогами — козерог (знак зодиака), занимающий трон. По другой, Эрнст изобразил Бога пастбищ. Рядом с мужчиной — женщина в короне, без рук и с хвостом русалки. На самом деле, кого и что имел в виду автор, создавая эту скульптуру, догадаться несложно, узнав, что М. Эрнст называл это произведение «семейным портретом».

источник обложки