Маньеризм — эпоха бездарностей или гениев?

Маньеризм (с французского: maniérisme, manière — «путь») — термин, используемый в истории искусства с 20-х годов ХХ века для описания нового течения в европейском искусстве XVI века. Для многих это выражение, как и обозначаемое им явление, сложно для понимания и вызывает трудности в определении и при обсуждении. Итак, что же такое маньеризм?

Теория маньеризма — 3 лица одного термина

Новое течение сформировалось в противовес классицизму Возрождения в изобразительном искусстве и в литературе. Его концепция заключалась в отказе от идеалов гармонии и порядка в пользу сложных форм, возбуждающих воображение. Главная черта направления — тонкость выражения, сочетавшаяся с артистизмом моделей, реализованном в особом стиле, часто создающем впечатление преувеличения и искусственности.

Сложная маньеристская эстетика породила дискуссию, длящуюся до сих пор. Чтобы разобраться с этим понятием, следует рассмотреть несколько вариантов толкования термина. Все они в разной степени справедливы и характеризуют особенности направления. 

• По мнению итальянского теоретика искусства Федерико Цуккари, жившего в эпоху маньеризма, теория искусства маньеризма не вычурная, как кажется, а намеренно антирациональная, антиматериалистическая, отчасти мистическая. Маньеристы полностью отошли от ренессансной религиозной идеологии, стремящейся к возрождению и прославлению веры, к научному характеру художественного познания и воспроизведения действительности. Итальянский архитектор и писатель, основоположник современного искусствоведения Джорджо Вазари (1550) включил маньеризм в пантеон пяти преимуществ, поднявшим искусство XVI века на новую ступень.
• Заглянув в «Словарь иностранных слов» польского энциклопедиста и лексикографа Владислава Копалиньского (Стерлинга), мы узнаем, что маньеризм — это второстепенность стиля или языка искусства, нарушение чьего-то стиля, индивидуальные особенности чьей-то работы, пути, системы.
• В современном толковании слово «маньеризм» часто имеет негативное значение, акцентируя внимание на уничижительных для творческих людей терминах — стилизации, неестественности, аффективности, искусственности, претенциозности. И эта характеристика, пожалуй, в наименьшей степени отражает истинный смысл этого творческого направления, но и содержит долю правды, касающуюся самого термина. 

Источник противоречий — происхождение слова, заимствованного из французской и итальянской придворной литературы XIII—XIV веков, где оно обозначало степень социальных приличий, придворных манер и стиль бытия и не имело отношения к искусству. В XVI веке понятие трансформировалось в ментальную и культурную установку, характеризующуюся изысканным поведением, хорошими манерами, образованностью, художественным вкусом и чувством формы. В этом смысле маньеризм не позволял проявлять горячность и примитивность — он заключался прежде всего в достоинстве и утонченном изяществе.

Таким образом, современный бытовой смысл этого слова отсылает нас к первоисточнику, когда придворные манеры были нормой вежливости и воспитания, но сейчас такое поведение выглядело бы нелепым и наигранным — манерным. 

Второе толкование также отчасти справедливо, ведь маньеризм действительно стал итогом разрыва с идеалами порядка и гармонии эпохи ренессанса, заменив их тенденциями к сложным аранжировкам, изощренному выбору тем и стремлением к максимальной виртуозности исполнения. 

Что касается маньеризма как художественного направления, здесь наиболее справедливы характеристики современников, своими глазами увидевших рождение и развитие этого стиля и понимавших причины его появления.

Фото: источник

Маньеризм родом из Италии

Масштаб этого направления до сих пор остается спорным, особенно когда термин применяется к различным художественным явлениям в Европе за пределами Италии. Наименее спорно понимание маньеризма как направления в итальянском искусстве, процветавшего в 1520—1600 гг., где новое течение реализовало эстетический идеал, выражаясь высочайшим мастерством, совершенством формы и техники произведений. 

Направление сформировалось после 1520 года в Риме в основном благодаря итальянским художникам. После разрушения Рима Карлом V они эмигрировали в Европу, где пропагандировали теорию о неизбежности краха творческого порядка и гармонии, достигших пика совершенства. Искусство для развития требовало нового витка. Итогами этого стали разрыв с классическими образами и внедрение новых ценностей — свободной фантазии и произвольных форм, развязавших руки талантливым авторам.

Маньеризм распространился во Флоренцию, Мантую, Парму. Затем эстафету подхватили Франция (Фонтенбло), Центральная Европа (Прага, Мюнхен) и Нидерланды (Харлем, Утрехт). 

Отличительные черты маньеризма

Классицизм эпохи Возрождения был построен на строгих канонах. Работы художников и скульпторов содержали определенные сюжеты, имели реальные формы, требовали определенного набора техник и красок. Маньеристы преступили эти рамки, хотя в основе работ, особенно в стадии раннего маньеризма, все-таки лежала старая школа. Яркий пример переходного периода — статуя «Победа» (1532—1534), созданная Микеланджело, где скульптор применил абсолютно новые приемы.

Маньеризм внес свои особенности в разные сферы искусства:

• В живописи. Была внедрена антинатуралистическая деформация фигур — они стали непропорциональными, более выразительными, стройными и интересными для зрителя. Художники играли с глубиной пространства, использовали новые цветовые палитры и эффекты. В работах маньеристов очевидны экспрессия (Якопо да Понтормо, Россо Фьорентино, Эль Греко), изящество и элегантность (Франческо Пармиджанино), утонченность (Аньоло Бронзино).
• В скульптуре. Стало модным использование фигуры серпентината (змеевидная форма) — динамически спиральное расположение фигур (Бенвенуто Челлини, Джованни да Болонья, Адриан де Врис), предложенная Микеланджело. Такая конструкция заставляла воспринимать скульптуру, состоящую из нескольких фигур, как одно целое и требовала всестороннего осмотра. Огромное достоинство этого приема — серпентината позволяла выражать любое движение модели или даже всей группы. Фигуры больше не были визуально статичными, они вовлекали зрителя в сцену, заставляя фантазировать. Если ранее достаточно было просто созерцания, то теперь приходилось включать игру ума. 
• В архитектуре. Здесь тоже произошли глобальные изменения. Архитекторы позволили себе уйти от стереотипов, внедряя то, что ранее считалось некрасивым, непропорциональным и лишним. Новые здания отличали свобода использования классических архитектурных элементов с неопределенными функциями, конструктивизм, абстрактные схемы, стремление к особым сценографическим эффектам, сдержанность орнамента. Эти черты можно наблюдать в виллах, где архитектура связана с садами (Палаццо дель Те в Мантуе, вилла кардинала Джулио в Риме, вилла папы Пия IV в Ватикане), и в садах со сложной композицией из зелени, архитектурных элементов, искусственных гротов и скульптурных групп (Сады Боболи во Флоренции). Искусство маньеризма в Трансальпийской Галлии процветало в придворных центрах и создавалось итальянцами или использовало итальянские мотивы (Галерея Франциска I в Фонтенбло). Для описания архитектуры Северной Европы использовался термин «голландский маньеризм». Решающую роль здесь играл антиреалистичный абстрактный орнамент с элементами гротеска (городская ратуша в Антверпене).
• В литературе. Подчеркивались установки внутреннего разрыва (Гамлет У. Шекспира), проявления мистицизма, вкус к открытым формам, эклектика и показная эрудиция. Риторика была сведена к сфере стилистических эффектов. Художественные произведения отличались заумностью, витиеватым слогом, сложными синтаксическими конструкциями (Дон Кихот Мигеля Де Сервантеса).
• В эстетике. Важным предметом интереса стала психология творчества. С точки зрения новой эстетики вместо ренессансного апофеоза красоты была сформулирована маньеристская теория тонкости, а метафора стала рассматриваться как основа всех искусств. Под сомнение был поставлен принцип необходимости подражания природе, реалиям и древним орнаментам. Была отмечена связь разных видов искусств. Идеалом литературы и искусства стал концептуализм, а желаемыми реакциями зрителей или читателей — восхищение и удивление.

Таким образом, маньеризм стал следствием перегруженного искусства зрелого Возрождения. Направление ушло от канонов, тщательно проработанных мастерами Возрождения, нарушив основные правила искусства кватроченто (Раннее Возрождение), включая принцип подражания природе (мимезис). Создавались неверистические работы (с неправдивым изображением).

Маньеризм ставил совсем другие задачи:

• создание безупречного рисунка;
• разработка сложной композиции;
• проработка сложных, искусственных поз;
• использование утонченных цветов.

На первую ступень ставились изысканность, мастерство, творческая фантазия, свобода от классических правил. Но маньеризм сам по себе не антиклассичен, это новый уровень классики.

Фото: источник

Эпоха расцвета маньеризма

Термин «маньеризм» в литературе и истории культуры определялся как вкус, стиль, менталитет, характерные для конца эпохи Возрождения, художественное течение и историческая эпоха. Введение понятия маньеризма способствовало более точному описанию ренессанса и барокко, подорвав концепцию чередования классических и романтических течений. 

Но в этом плане также существуют разногласия: 

• Маньеризм часто рассматривается как переходная фаза между Ренессансом и барокко. 
• Иногда термин используют для обозначения позднего Возрождения или раннего барокко.
• Ренессанс и барочный маньеризм также понимают как стиль, существующий в обе эпохи.
• Маньеризм также рассматривается как комплекс тенденций, возвращающихся после периодов классицизма. 

В XVI—XVII веках на фоне развития маньеризма возникли отдельные эстетические школы: в Англии — эвфуизм и метафизическая поэзия, во Франции — прециозитивное течение, в Нидерландах — липсианский неостоицизм, в Испании — гонгоризм, в Италии — школа последователей Тасса и маринизма.

Эпоха обесценивания маньеризма

Со временем понятие маньеризма окрасилось негативным оттенком. С XVII по XIX век произведения искусства XVI века считались претенциозными, безвкусными, характеризующими упадок художественного мастерства. Тем не менее маньеризм не был полностью дискредитирован — течение постоянно изучалось как явление, доказывая уникальность творческих процессов и тесную связь с культурой той эпохи.

Работы художников-маньеристов тесно связывали с их личной жизнью, часто странной, непонятной и пугающей. Например, Ф. Феруччи носил жилет из кожи палача, а Б. Торри, изучая анатомию, складывал части тел под кровать. Возможно, что такие странности придавали силу выражения произведениям. Работы маньеристов были экстраординарными, удивительными и экстравагантными, отличными от предыдущей классики.

В современных литературоведческих исследованиях маньеризм часто используется для описания стилистических приемов, выпадающих из рамок данной эпохи и предвещающих новую, отсюда — несколько пренебрежительное понимание маньеризма как аномалии переходного периода в искусстве.

Да, это была эпоха экспериментов! Целью художника было найти выражение для мощного заряда и утонченного технического совершенства. То, что когда-то казалось ужасным нарушением классических правил, теперь приобретало наивысшую ценность. Значение имела только идея, служившая вдохновением или тайной воображения. Искусство стало красивым, сложным, утонченным, но в то же время имело тщательно скрытый замысел, понятный при достаточной доле эрудиции.

Фото: источник

Современный взгляд на маньеризм — спорный и эксцентричный стиль в искусстве

Существует доступная, радующая глаз красота — она проста, понятна и нравится многим, потому что ей легко овладеть. Но есть вещи, созданные для людей с высоким уровнем интеллекта, требующие размышлений. Разгадав их, можно получить даже большее удовольствие, чем от одного лишь созерцания красивого предмета. Работы маньеристов как раз относятся к таким произведениям.

Стало ли появление этого направления знаком вырождения плеяды талантов, неспособных творить в классической манере? Скорее нет, чем да! Современные искусствоведы считают, что маньеризм стал не концом Ренессанса, а рождением барокко, показывая новаторские черты. 

К моменту появления этого стиля искусство уже достигло высшего пика совершенства, поэтому перестало развиваться. Чтобы двигаться дальше, нужно было разрушить сформировавшиеся каноны и строить нечто новое. Поэтому отход от классического идеала не был выражением творческого краха и новые художники и скульпторы не были бездарными — они в полной мере воспользовались свободой, не побоявшись быть осмеянными в веках. 

источник обложки